El Museo de Arte del Condado de Orange destaca a los artistas de Hollywood no acreditados – Celebrity Land

Una luz amarilla apagada se asoma a través de un cielo melancólico que se cierne sobre las colinas del sur de California. La pintura al óleo “Se acerca la tormenta” captura el tipo de escena pintoresca que le daría trabajo al artista Paul Grimm en los inicios de Hollywood. Conocido por sus paisajes al aire libre y sus magistrales representaciones de nubes, recurrió al trabajo de estudio para ganar dinero durante la Gran Depresión.

Es uno de los muchos artistas que se exhiben en una nueva exposición del Museo de Arte del Condado de Orange de UC Irvine Langson sobre pintores de escenarios cuyo trabajo no sería acreditado o pasaría por alto.

“No se ganaban la vida vendiendo sus pinturas, sino trabajando para los estudios”, dijo la directora del museo, Kathryn Kanjo. “El artista perdería su crédito y reconocimiento individual, para estar al servicio de lo que necesitaba el estudio”.

En otra parte de la exposición “Staging California in Early Hollywood”, cuelga un respaldo pintado de 18 por 25 pies para “The Sound of Music” (1965), un proyecto dirigido por el entonces director de arte del departamento de efectos especiales de 20th Century Pictures, Emil J. Kosa Jr. Él sería el único en recibir crédito en ese momento, no los otros cinco artistas contribuyentes, incluido el célebre artista plein air Arthur Grover Rider, que también se mencionan en la descripción del museo.

“En general, en los estudios sistematizaron el diseño de producción para que fuera rápido”, dijo Kanjo, describiendo el rígido proceso como militarista. “Cinco artistas a la vez trabajan día tras día para hacer estas cosas”.

Es la primera exposición del museo desde UC Irvine. adquirido el Museo de Arte del Condado de Orange en septiembre pasado, construyendo una colección de 9.000 piezas que datan del siglo XIX.

La exposición, con unas 50 piezas, es la primera desde el nombramiento de Kanjo en diciembre. Es una carta de amor a los artistas anónimos y poco conocidos de la industria cinematográfica, cuyas obras fueron vitales para las películas.

La exposición comienza con Sin título, 1974, izquierda, de Paul Grimm, y “Acercándose a la tormenta”, 1974, derecha, que capturan la esencia del paisaje del sur de California.

(Allen J. Schaben/Los Angeles Times)

Tomemos como ejemplo a dos de los escenógrafos más prolíficos de mediados del siglo XX: Warren Newcombe y George Gibson. Newcombe era un artista bien educado nacido en Massachusetts que comenzó a trabajar en decorados ya en 1920. Con el tiempo se uniría al departamento de arte de MGM, donde perfeccionó una técnica de efectos visuales llamada “pintura mate”. Durante un tiempo, se lo conoció simplemente como el “disparo de Newcombe”.

Gibson también estuvo en MGM casi al mismo tiempo. Cuando el estudio contrató por primera vez al artista escocés, habitualmente faltaba turnos para pintar al aire libre en el sur de California. Él y Newcombe ayudaron a crear “El mago de Oz” (1939), pero cuando aparecieron los créditos, faltaban los nombres de ambos.

Newcombe y Gibson serían reconocidos y celebrados por su trabajo. Aproximadamente una década después de “El mago de Oz”, Newcombe ganó dos premios Oscar por efectos especiales, por “Thirty Seconds Over Tokyo” (1944) y “Green Dolphin Street” (1947).

“Él jugó un papel decisivo en la profesionalización de los artistas de MGM”, dijo la curadora asistente Michaëla Mohrmann sobre Gibson. “Su insistencia en la saturación del color es algo que realmente influye en su trabajo para ‘El mago de Oz’, y es realmente esa película la que consolida su reputación como uno de los maestros del arte escénico”.

Mientras tanto, artistas como Arthur Beaumont apenas obtuvieron lo que les correspondía. Criado en una familia de militares en Inglaterra, el nativo de California quedó particularmente cautivado por los buques de guerra. En 1933, había pintado arte marítimo para la mayor parte de la flota naval de Estados Unidos. Como resultado de su trabajo, fue nombrado teniente de la Marina de los EE. UU. y reconocido como el artista oficial de su flota.

También comenzó a producir materiales promocionales y guiones gráficos para películas navales de Paramount Studios ya en 1935, primero para una película titulada “Mutiny on the Bounty”. En 1942, haría lo propio con “Wake Island” en plena Segunda Guerra Mundial. Posteriormente, su trabajo fue grabado en placas de metal y utilizado para producir impresiones publicitarias en masa.

La directora del museo, Kathryn Kanjo, se encuentra entre “Ortega Highway” de Arthur Grover Rider (1974), a la izquierda, y “How Marvelous Thy Works” de Emil J. Kosa Jr. (1928).

(Allen J. Schaben/Los Angeles Times)

“Estaban participando [in the military and war] en diferentes funciones y no siempre se les acredita ese tipo de trabajo”, dijo Mohrmann. “Creo que hubo un acto de generosidad [during wartime] en general, todos eran muy patrióticos”.

La exposición también presenta una película muda titulada “La vida y muerte de 9413: un extra de Hollywood”, un corto de 1928 que destaca la difícil situación de un actor de fondo conocido como “9413”.

“Es como si lo estuvieran despreciando y sin siquiera darle un nombre, ¿verdad?” Dijo Kanjo. “Todo el mundo pensó que era divertido porque era una especie de meta, pero señalaba problemas reales”.

Más allá de dar crédito a quien lo merece, la exposición tiene como objetivo realzar el arte de fondo.

“Tanto entonces como ahora, la gente cuestiona los méritos artísticos de estas obras porque fueron hechas para películas con fines de lucro”, dijo Mohrmann. “Cuando en realidad había muchísimo talento, arte y pensamiento crítico”.

Quincy Bowie Jr. contribuyó a este informe.